《Star Wars: Galactic Racer》动画幕后：700 km/h 下的手感与角色表演

《Star Wars: Galactic Racer》的世界建立在三件事上：以惊人速度飞驰的载具、形态差异极大的飞行员，以及足够壮观、值得玩家冒险一试的撞车。这给动画出了道难题：每一个动作都必须同时体现载具的物理表现与玩家的输入，又不能干扰玩家躲避以最高 700 km/h 迎面而来的障碍。

为弄清 Fuse Games 如何应对这个挑战，我们采访了动画总监 Andy Miller。他的职业生涯横跨二十余年，涵盖玩法动画、过场动画、预告片与广告；此前参与的作品包括《Need for Speed Rivals》《Heat》《Unbound》、三款《Battlefield》、两部现代《Star Wars Battlefront》，以及《Halo 4: Spartan Ops》等项目的过场动画。

在这次访谈中，Miller 拆解了一条涉及 Maya、MotionBuilder、Xsens 动捕服、MetaHuman 技术、Speech Graphics、Unreal Engine 与快速预演（previs）的管线，也谈到了一些不那么常规的参考：Burnout 的撞车画面、动物纪录片、《Drive to Survive》、动作控制器，以及袜子手偶。

《Star Wars: Galactic Racer》现已登陆 PS5、Xbox Series X|S 与 PC。

《Star Wars: Galactic Racer》围绕速度、危险、撞击，以及在星战银河中竞速的幻想构建。从动画团队的角度看，让游戏显得高速、有实体感又有星战味道，主要支柱是什么？

Andy Miller：开放式座舱、风格各异的角色阵容，加上以毫秒计的操作节奏，让我们在处理玩法动画时聚焦两点——游戏手感与忠于角色的塑造。我们把动画系统设计得响应迅速、与玩家输入直接挂钩，让玩家得到清晰反馈，动作也有直接的物理回应。

同时，这种直觉式反馈要覆盖我们庞大的角色阵容，并且让他们看起来确实属于星战银河。这意味着要支持体型与比例差异很大的角色，其中一些还有独特构造，例如多条肢体或垂坠的触须。我们的目标是让每个角色都显得独特，把玩家带入那种星战体验。

竞速游戏通常依赖物理、镜头、特效与音效，但动画对载具手感的作用依然很大。动画团队如何与设计、物理与操控团队协作，来表现加速、漂移、加速冲刺、碰撞与复位？

Andy Miller：我们的动画系统直接绑定载具物理与控制器输入。我们与其他工种紧密配合，取得加速、转向输入、撞击方向，当然还有撞车状态这些数据。这些数据驱动我们的分层动画系统，把多种动画与姿势组合起来，将载具的物理性直接反映到驾驶员身上。这在飞行摩托上最明显：骑手的反应能清楚说明车辆压弯有多狠、跳跃落地有多稳，落地糟糕时还会有更夸张的受击动画。再加上特效、镜头与音效，整体体验非常具身。

游戏里有多种赛车类型，而不只是经典的飞梭赛车。团队如何处理不同载具级别、剪影、引擎、部件与运动特性的动画，让每一类在高速下都显得不同？

Andy Miller：角色众多、可驾驶的载具也多样，要让他们都能可信地驾驶每种载具，同时保持一致的玩家反馈，确实有些独特挑战。我们从一套所有角色与载具共用的 Animation Blueprint 出发，它定义了把载具物理与玩家输入转换为各种姿势、混合空间与动画的基础逻辑。

这套蓝图涵盖每个飞行员静止坐在起跑位时的基础姿势与待机动画，也延伸到高速时的反应、压弯，以及撞车时捶打操控装置的动作。之后我们再为它创建子蓝图，替换成各角色独有的动画与姿势。这样既能保证玩家反馈清晰一致，又能保留角色的独特细节——例如 Sebulba 加速时胡须被风吹得更急，或是小个子 Biddy Blas 压弯时双腿挂在车外。

星战载具有一套很具体的物理气质：它们可以很未来、很怪异，但仍要显得有机械感、有重量、像手工造出来的。这如何影响你们处理载具部件、引擎运动、悬挂、损伤与撞击反应的方式？

Andy Miller：载具的物理手感，以及引擎膨胀、松动的面板、撞击时脱落的部件，这些功劳都属于我们极具才华的物理工程师、技术美术与特效美术。动画参与了早期原型与预演，帮助确立其中一些特性，但最终成品里这些系统都是动态驱动的，带来了丰富的表现，尤其在对战与撞车时最出彩。举例来说，我们最早期的飞梭原型是用骨骼动画做出「两台强劲引擎向略微不同的方向拉扯、拖着后面的飞梭车厢」的感觉。我很高兴地说，物理工程师接手了这个困难的三体问题，做出了比纯动画系统更有动态、更响应灵敏的东西；尤其是那些部件在撞车时脱落并继承物理，四散飞出的效果非常精彩。

因为《Galactic Racer》是高速街机竞速，玩家几乎要在瞬间理解撞车、击倒、擦身而过、赛道危险与路线可读性。动画如何在不过度干扰玩家的前提下传达危险与反馈？

Andy Miller：有时难点恰恰是「不要做太多」。在玩家认知负荷较低的时刻，我们为角色做了很多有趣的动画。比如每位飞梭赛车手都有独特的翻车动画——捶打操控装置、捂脸懊恼——这些时刻玩家已经没有多少输入，因为已经撞了；而维修区里的角色也各有独立的动画组，用来表现他们交谈时的个性。

但当世界以 700km/h 从身边掠过时，动画必须聚焦在操控与响应这些关键反馈上。我们做了些小细节，例如玩家使用后视镜头时角色也会回头看，我觉得这是很棒的细节，让玩家感到自己与所选飞行员之间有联系；但如果在还要躲避赛道危险、与对手缠斗、触发能力的同时加入过大或过强的表演，就会分散注意力、损伤手感。和所有事情一样：先有想法，再做原型，然后跟随「好玩」的方向。能提升体验的才留在游戏里。

团队在为星战竞速开发动画时用了哪些参考——电影素材、以往的星战游戏、现实中的赛车运动、特技画面、航空、气垫船、Burnout 式撞车，还是内部原创测试？

Andy Miller：一个典型角色的动画组通常从一份设定表开始——这个角色是谁、有什么特点、是易怒、开朗、坐不住还是沉稳。我们会和叙事团队一起梳理他背景中可能影响动作与体态的部分。也许他像 Sen 一样曾当过刺客，像 Kestar 一样是靠信托基金长大的孩子，或者像 Biddy 那样做过模特。之后我们会收集图片与视频参考，从既有星战银河中找出气质相符的同类原型或物种，或把范围扩大到现实世界的灵感。

像《Drive to Survive》这类节目里赛车围场的政治戏剧，对丰富我们的戏剧原型极有帮助；动物纪录片则对更原始的特征与解剖灵感有用。

为保持星战的真实性，我们会根据角色以及他们在电影、电视等其他媒介中可能被如何呈现，采用不同的动画管线。例如，那些很可能由演员带实体特效化妆出演的人形角色，我们会采用表演捕捉的方式。游戏里不少角色由开发团队中才华出众的成员出演——他们经过试镜以匹配角色各异的性格，并在办公室用 Xsens 动捕服完成捕捉，这让我们在生产中拥有很大的灵活性与迭代空间。而不那么人形的角色，比如我们的四臂机械师 Hibi，或传奇车手 Sebulba，则需要更传统的关键帧动画方式，好把他们的身体表现推得更远。Sebulba 还直接参考了他在《Episode I》中的动画表演。

Andy Miller：至于我们的异星商人 Ori 与 Per，我们从《Solo》中 Danzikan 物种首次登场时的操偶方式汲取灵感。用动作控制器加上袜子手偶的参考来制作他们表演的基础，为动画师后续的打磨提供了可信的出发点。无论采用哪种方式，所有动画都要经过迭代与打磨阶段。我们在 Rekindled Studios 的合作伙伴开发了绑定，让动画师在拥有一致功能的同时，也能支持独特的角色阵容与各异的解剖结构；他们还提供了导出工具，确保在 Maya 里做完动画后，几秒内就能在引擎里跑起来。我们始终希望内容尽早进游戏、在上下文中测试、以玩家体验为优先复核、修改，再复核。这个迭代循环越快、越频繁，游戏体验就越好。

在适用的情况下，我们会进入 预演或原型阶段，尽早验证想法、快速失败。撞车就是适合尽早做预演的例子，因为要统一愿景，涉及的工种太多：它能让镜头、特效、音效与 UI 的努力聚焦。我们常常从粗剪样片（ripomatic）开始，用赛车运动、电影，甚至我们以前做过的《Burnout》等游戏的现成素材来确立基调与参数，明确想通过 previs 探明什么。

在预演阶段，我们可以快速试验模拟残骸、给块状物做动画并用简单几何体或现成特效表现碎片、制作跟随动作的镜头，并通过剪辑增加戏剧性。但动画版撞车会把你锁进某一个版本；真正的魔法发生在其他工种接过这个愿景、把它变成动态系统，再各自迭代把参数拉满、找到更多乐趣的时候，最终变成我们为《Star Wars: Galactic Racer》交付的电影级场面——在这款游戏里，撞车是拼尽全力的奖励。即便是「玩家如何与商店交互」这种看似简单的互动，也值得做个快速预演样机来统一许多系统的问题：是走到有面包屑指引的 NPC 店主面前，还是用一个可交互的屏幕？UI 是叙事内的，还是放在菜单空间？预演与快速原型能迅速给出答案，同时也可以随时丢弃，去换取更好的想法与系统。

《Galactic Racer》用了哪些软件、引擎工具、动捕/关键帧流程、模拟系统或自定义动画工具？做一款如此高速的游戏，在动画上有没有特别的挑战？

Andy Miller：我们主要使用现成软件，配合一些自研工具来提升生产效率。Maya 是我们的主力动画软件，借助 mGear 绑定框架可以方便地创建自定义绑定。我们内部使用 Xsens 动捕服，好几位才华出众的开发同事在这里发挥了表演天赋，出演了维修区的众多工作人员。MotionBuilder 用来处理最初的动捕解算，它在处理多次拍摄与大数据集方面表现极好，之后再把修好的数据送到 Maya 打磨。面部动画方面，我们以 MetaHuman 绑定为基础技术，Rekindled 的合作伙伴把它扩展到了我们的异星物种上。这让我们能用多种方式生产内容，包括用移动设备对自己的面部做 Live Link 录制。维修区有数千句台词，在制作后期还需要灵活性与迭代空间；借助 MetaHuman 绑定，我们用 Speech Graphics 软件把音频快速转成面部动画，为每个角色设定身体与情绪参数，从而在很短的周期内给出可信的表演。技术美术制作了导出工具，让我们能快速把动画经 Maya 应用并导出到 Unreal，几分钟内就能更新整套动作或数百句台词。

Andy Miller：在 Unreal 里，我们的系统都是按游戏需求定制的。要支持多样角色与大量载具的互动，需要与载具、物理、技术美术团队紧密协作。我们做的系统由载具的物理性驱动、响应玩家输入，同时支持每个角色的专属动画，并用 IK、Sockets 与 Animation Curves 确保手、脚等部件在应有的时刻贴合。我们的载具每毫秒走过的距离与速度，确实给附着点的更新带来了难题——要保证动画中的飞行员跟得上载具的物理模拟。所幸有比我聪明得多的人解决了它。

但在动画这块，最大的挑战是野心很大的规模与很小的团队。正因如此，生产效率、快速的迭代—复核流程，以及对「什么最影响玩家体验」的聚焦，是我们成功的关键。

Andy Miller，Fuse Games 动画总监，《Star Wars: Galactic Racer》

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